El sentir y el quehacer como manifestación de lo bello
Valoramos las cosas desde nuestros sentidos. Ese valor está regido por nuestra búsqueda de lo perfecto y del placer (las cuales, están unidas porque nos agradan las experiencias gratas). Así es como aprendemos a tomar lo que con más a gusto sentimos de acuerdo a nuestras ideas y sentimientos, por eso que en cada obra de nosotros se manifiestan nuestras preferencias y formas de pensar, aunque no se esté del todo consciente de aquello.
Según Aristóteles el arte es una actividad humana, por lo tanto, imperfecta. Pero a través de la búsqueda de la perfección, es que vamos haciendo cada vez mejor las cosas. Las diversas formas de manifestación artística tienen como objetivo resolver conflictos al ser expresados mediante alguna materialidad a través de la pintura, notas musicales, el cuerpo, etc.- y con los nuevos descubrimientos en cada una de ellas se va adquiriendo conocimiento y técnica. Si se profundiza aún más, se puede aportar variaciones diversas y crear enlaces entre cada una de ellas, de la misma forma que lo hace nuestro cerebro con las neuronas. Por lo tanto, esta unión tiene una finalidad de servir al ser humano para sobrevivir en el tiempo y lograr, de esta manera, algo positivo para nosotros.
Platón, por el contrario, desvincula la idea de placer propuesta por Aristóteles, ya que hay otros placeres no vinculados a la belleza. La belleza puede ser vista como algo más bien objetivo (características exteriores de algo que estén, de alguna forma, definidas que son bellas) que es lo que ocurre con los críticos de arte y gente que analiza cada detalle de una obra, comparándola siempre con otra y procurando desechar la idea de que cualquier expresión puede ser arte.
La belleza depende, en gran parte, del orden, la armonía, proporción y distribución de los elementos en cuestión, y esto muchas veces se hace cuidando cada detalle como la técnica, precisión, etc.- y olvidando lo que hay en el interior de cada persona. Sin embargo, cuando se hace de forma intuitiva, se puede expresar todo lo que hay en el mundo interno, pero dejando de lado los aspectos objetivos que tienen que ver con el hacer del arte.
El lenguaje artístico tiene infinitas posibilidades y uno debería intentar aprender de todas ellas, lo que más pueda para luego llevarlo a la realidad psicológica a fin de que nuestro quehacer fluya correctamente como un río al cual uno pueda arrojar los elementos correctos que más tarde desemboquen en un mar de creación, en el cual toda cooperación hecha con una intención de mejoría, será bienvenida ya que contribuirá a formar un mundo más bello, equilibrado y armonioso.
francisco Pereira
alumno diseño gráfico ust
asignatura de estética del diseño
miércoles, 25 de noviembre de 2009
miércoles, 18 de noviembre de 2009
caminos cruzados
Caminos cruzados en el escenario local.
El concepto fundamental en los caminos cruzados del quehacer local, delimita el alcance de la estética o bien el concepto de la belleza o bien el del arte.
No es un concepto nuevo ni originalmente puro. Se asumió la concepción corriente, es decir, se conserva la idea del arte de la cual los griegos se servían de modo intuitivo, y la definimos convirtiéndola en un verdadero concepto.
El arte es una actividad humana, lo cual lo distingue de la naturaleza; los productos del arte, son contingentes, mientras que los de la naturaleza son de necesidad. Hay tres tipos de actividad humana, la investigación, la actuación y la producción. El arte es una producción, y solo es arte, una producción consciente, basada en el conocimiento.
La producción basada sobre el instinto, sobre la experiencia o sobre la práctica, no es arte; solamente quien conoce los medios y los fines de la producción está en la capacidad de dominar el arte a fondo. La capacidad de producir es una habilidad.
El significado básico de la palabra techne, consistía en las habilidades del productor, en el ars medieval se refería al conocimiento en si mismo, mientras que en el concepto de arte ya se tiene el producto.
Los rasgos del concepto de arte son: dinámicos; tienen un factor intelectual en el arte, no habiendo arte sin reglas generales; Se concibe el arte como un proceso psico-físico, contraponiéndolo a la naturaleza. La contraposición entre arte y naturaleza no está muy clara, ya que la filosofía está firmemente convencida de que el arte aspira siempre a un fin, del mismo modo que lo hace también la naturaleza, siendo esta finalidad un elemento que los acerca.
Al determinar el arte en tanto que habilidad, lo asemejo a la ciencia; la ciencia atañe a la existencia y el arte a la creación. El arte como habilidad borra la frontera entre arte y ciencia. El arte puede hoy carecer de reglas con tal de que el producto sea satisfactorio.
La relación entre el arte y la materia de que se sirve, así como entre el arte y las que son sus condiciones: el arte necesita siempre de la materia, pero se sirve de diferentes formas; el arte cambia la forma de la materia.
El concepto fundamental en los caminos cruzados del quehacer local, delimita el alcance de la estética o bien el concepto de la belleza o bien el del arte.
No es un concepto nuevo ni originalmente puro. Se asumió la concepción corriente, es decir, se conserva la idea del arte de la cual los griegos se servían de modo intuitivo, y la definimos convirtiéndola en un verdadero concepto.
El arte es una actividad humana, lo cual lo distingue de la naturaleza; los productos del arte, son contingentes, mientras que los de la naturaleza son de necesidad. Hay tres tipos de actividad humana, la investigación, la actuación y la producción. El arte es una producción, y solo es arte, una producción consciente, basada en el conocimiento.
La producción basada sobre el instinto, sobre la experiencia o sobre la práctica, no es arte; solamente quien conoce los medios y los fines de la producción está en la capacidad de dominar el arte a fondo. La capacidad de producir es una habilidad.
El significado básico de la palabra techne, consistía en las habilidades del productor, en el ars medieval se refería al conocimiento en si mismo, mientras que en el concepto de arte ya se tiene el producto.
Los rasgos del concepto de arte son: dinámicos; tienen un factor intelectual en el arte, no habiendo arte sin reglas generales; Se concibe el arte como un proceso psico-físico, contraponiéndolo a la naturaleza. La contraposición entre arte y naturaleza no está muy clara, ya que la filosofía está firmemente convencida de que el arte aspira siempre a un fin, del mismo modo que lo hace también la naturaleza, siendo esta finalidad un elemento que los acerca.
Al determinar el arte en tanto que habilidad, lo asemejo a la ciencia; la ciencia atañe a la existencia y el arte a la creación. El arte como habilidad borra la frontera entre arte y ciencia. El arte puede hoy carecer de reglas con tal de que el producto sea satisfactorio.
La relación entre el arte y la materia de que se sirve, así como entre el arte y las que son sus condiciones: el arte necesita siempre de la materia, pero se sirve de diferentes formas; el arte cambia la forma de la materia.
jueves, 5 de noviembre de 2009
estado de sitio
Estado de Sitio: ………………………………..La Pintura a Muerto.
Se declara que el presente texto, no alcanza pretensión, ni menos convertirse en un manifiesto de la estética imperante en esta posmoderna industria del arte local.
La Trienal de Chile se produjo como una experiencia de acción, de acuerdo a la reacción del estado imperante y sus demandas específicas de la propia escenografía emergente.
Es preciso que las autoridades del centro recuerden que los museos de vanguardia, sólo están en el centro-centro y que no basta con tomar un avión, llegar, discursos más o menos y luego volver a sus trincheras post-revolucionarias, que emergen de Santiago.
Que nos ha dejado el paso esta caravana de Artistas Argentinos, el paso de los días y meses, seguramente nos abrirá alguna llave, que nuestro espectador común, percibirá de acuerdo a sus procesos de retención visual.
Sin lugar a dudas, la clínica de arte ha sido una de las experiencias más significativas de la escena local, en los últimos tiempos. Marcos Figueroa no solo conoció las obras, elaboró una plataforma crítica y forzó situaciones que condujeron a tomar decisiones para sostener agrupaciones de artistas, sino que instaló argumentos que aportaron mayor complejidad al debate sobre enseñanza.
Las complicidades culturales, formales y afectivas entre escenas locales del norte de Chile y de la Argentina, producen efectos específicos de importancia, no solo en el terreno de las prácticas artísticas, sino en el de las relaciones culturales efectivas.
Fundado este eje norte-norte, ahora queda esperar el próximo capítulo de este sismo, segunda parte.
slo
Se declara que el presente texto, no alcanza pretensión, ni menos convertirse en un manifiesto de la estética imperante en esta posmoderna industria del arte local.
La Trienal de Chile se produjo como una experiencia de acción, de acuerdo a la reacción del estado imperante y sus demandas específicas de la propia escenografía emergente.
Es preciso que las autoridades del centro recuerden que los museos de vanguardia, sólo están en el centro-centro y que no basta con tomar un avión, llegar, discursos más o menos y luego volver a sus trincheras post-revolucionarias, que emergen de Santiago.
Que nos ha dejado el paso esta caravana de Artistas Argentinos, el paso de los días y meses, seguramente nos abrirá alguna llave, que nuestro espectador común, percibirá de acuerdo a sus procesos de retención visual.
Sin lugar a dudas, la clínica de arte ha sido una de las experiencias más significativas de la escena local, en los últimos tiempos. Marcos Figueroa no solo conoció las obras, elaboró una plataforma crítica y forzó situaciones que condujeron a tomar decisiones para sostener agrupaciones de artistas, sino que instaló argumentos que aportaron mayor complejidad al debate sobre enseñanza.
Las complicidades culturales, formales y afectivas entre escenas locales del norte de Chile y de la Argentina, producen efectos específicos de importancia, no solo en el terreno de las prácticas artísticas, sino en el de las relaciones culturales efectivas.
Fundado este eje norte-norte, ahora queda esperar el próximo capítulo de este sismo, segunda parte.
slo
lunes, 10 de agosto de 2009
otro eje norte-norte
OTRO EJE NORTE-NORTE
Cada vez que recuerdo que para dictar mi Residencia en Antofagasta tuve que viajar desde Tucumán por vía aérea haciendo escala en Buenos Aires y Santiago, pienso que la escena sería digna del mejor cine del absurdo y vuelvo a pensar cuántas de nuestras elecciones están preconfiguradas en mapas que aún reflejan estructuras geopolíticas de nuestra modernidad desfasada, aún cuando algunos aspectos de la globalización nos hacen suponer otras cosas. Son harto conocidas las historias de subalternidades entre nuestras ciudades capitales y las provincias, las cuales hablan de las asimetrías con las que se construyeron nuestros países fragmentados y desagregados, asimetrías y tensiones históricas que con frecuencia reactualizan la necesidad de resignificar los conceptos de nación y región.
Sin embargo, estos escenarios postcoloniales empiezan a mostrar algunos signos de cambios que permiten visualizar acciones de re-activación y re-articulación a pesar de -o desde- las crisis de nuestras jóvenes democracias. Esos cambios sociales se ven motivados por diversos hechos propios del actual espíritu de época, en el que las nuevas tecnologías de comunicación y la democratización de la información tienen un peso decisivo, ya que inciden directamente en los hábitos y representaciones de los sujetos al relativizar los límites geográficos y contribuir a una nueva percepción de lo local y lo global.
De alguna manera estos tiempos, en los que nos encontramos honrando aquellos avatares independentistas de nuestras naciones, probablemente sean una buena oportunidad para repensar esa idea de lo ‘independiente’ y cruzarla con el debate sobre el arte y la relatividad de su autonomía. Pero más que plantear este último tema en abstracto, en este caso me interesa poner atención en las nuevas implicancias de la autonomía de la producción artística en nuestros países, y más específicamente en nuestras regiones distantes de las ciudades capitales.
El carácter disyuntivo que plantean estas relaciones entre centros y nuestras periferias, las cuales constituyen sus respectivas condiciones históricas, parece abrir un campo propicio a otras independencias para establecer nuevos vínculos a partir de la ampliación y reconfiguración de sus sistemas de identificaciones. Esto es posible gracias a que una emergencia del campo artístico, hace propicio un tiempo en el que ésta se siente liberada de los determinantes e imposiciones de su coyuntura histórica, lo que a su vez es potenciado por los cambios tecnológicos que facilitan la deslocalización de la cultura.
Quizás sea esta condición, entre otras, la que nos aproxime el norte chileno al norte argentino más allá de sus propias peculiaridades. Se trata de dos regiones que se encuentran en plena renovación de sus concepciones sobre el arte, cuyas prácticas artísticas por mucho tiempo han sido rehenes de las políticas culturales y de las tensiones derivadas de sus condiciones de subalternidad en el contexto nacional. Artistas que de un lado u otro, imbuidos de los nuevos modos de apropiación de la cultura, construyen lo suyo, importando, traduciendo, reciclando partes de una cultura que ya no reconoce localizaciones.
La evidente analogía entre estos campos artísticos suscita una pregunta del todo válida: ¿Qué cosas vinculan esa especie de constelaciones de lucecitas que diseña el antofagastino Salvador Lauriani con el mapa de los territorios saharauis que fueron usurpados, y bordados por sus mujeres y por la artista catamarqueña Claudia Martínez en el norte de África a pesar de que ella viva en España; y esto a su vez con esos otros mapas que borda Carlota Beltrame en Tucumán, o esos cielos limitados por el follaje que Ana María Benedetti construye en Salta?
Pienso también en las ficciones del viaje como posibilidad de encontrar un lugar mejor al que habitamos. Y aquí se me cruzan nuevas imágenes como la de aquel tren de Claudio Galeno, con esos viajes absurdos de Rosalba Mirabella, pero también pienso en esos globos de Yonsin Chiang Flores que no terminan de volar. ¿Qué cruces se producen en estos tiempos con respecto a los lugares físicos de residencia, los lugares virtuales en los que navegamos, los lugares del trabajo, los no lugares, etc.? Mis respuestas están precisamente en este punto: Ser ciudadanos de nuestro pequeño territorio y al mismo tiempo ciudadanos del mundo. Y aquí otra vez la cuestión de las fronteras, la idea de los límites geográficos y su relatividad frente al mundo ilimitado que nos proponen las nuevas tecnologías y por qué no el arte.
El recorte que propongo tiene la intención de ser una especie de fotografía instantánea que reúna artistas, obras, colectivos de gestión y proyectos que den cuenta de un primer estado de situación de ambas regiones. Consecuentemente busco instalar los interrogantes y concepciones sobre nuestros lugares y los modos discursivos de interpelar, referir, presentar o representar nuestras realidades, pero también hablar de las estrategias que nos proponemos para transformarlas.
Una suerte de inventario, ya que la idea consiste en organizar un espacio que abra también la posibilidad de entretejer redes entre artistas interesados en plantear nuevas acciones de integración y nuevas políticas para las regiones involucradas.
Marcos Figueroa
Tucumán, Argentina. 2009
Cada vez que recuerdo que para dictar mi Residencia en Antofagasta tuve que viajar desde Tucumán por vía aérea haciendo escala en Buenos Aires y Santiago, pienso que la escena sería digna del mejor cine del absurdo y vuelvo a pensar cuántas de nuestras elecciones están preconfiguradas en mapas que aún reflejan estructuras geopolíticas de nuestra modernidad desfasada, aún cuando algunos aspectos de la globalización nos hacen suponer otras cosas. Son harto conocidas las historias de subalternidades entre nuestras ciudades capitales y las provincias, las cuales hablan de las asimetrías con las que se construyeron nuestros países fragmentados y desagregados, asimetrías y tensiones históricas que con frecuencia reactualizan la necesidad de resignificar los conceptos de nación y región.
Sin embargo, estos escenarios postcoloniales empiezan a mostrar algunos signos de cambios que permiten visualizar acciones de re-activación y re-articulación a pesar de -o desde- las crisis de nuestras jóvenes democracias. Esos cambios sociales se ven motivados por diversos hechos propios del actual espíritu de época, en el que las nuevas tecnologías de comunicación y la democratización de la información tienen un peso decisivo, ya que inciden directamente en los hábitos y representaciones de los sujetos al relativizar los límites geográficos y contribuir a una nueva percepción de lo local y lo global.
De alguna manera estos tiempos, en los que nos encontramos honrando aquellos avatares independentistas de nuestras naciones, probablemente sean una buena oportunidad para repensar esa idea de lo ‘independiente’ y cruzarla con el debate sobre el arte y la relatividad de su autonomía. Pero más que plantear este último tema en abstracto, en este caso me interesa poner atención en las nuevas implicancias de la autonomía de la producción artística en nuestros países, y más específicamente en nuestras regiones distantes de las ciudades capitales.
El carácter disyuntivo que plantean estas relaciones entre centros y nuestras periferias, las cuales constituyen sus respectivas condiciones históricas, parece abrir un campo propicio a otras independencias para establecer nuevos vínculos a partir de la ampliación y reconfiguración de sus sistemas de identificaciones. Esto es posible gracias a que una emergencia del campo artístico, hace propicio un tiempo en el que ésta se siente liberada de los determinantes e imposiciones de su coyuntura histórica, lo que a su vez es potenciado por los cambios tecnológicos que facilitan la deslocalización de la cultura.
Quizás sea esta condición, entre otras, la que nos aproxime el norte chileno al norte argentino más allá de sus propias peculiaridades. Se trata de dos regiones que se encuentran en plena renovación de sus concepciones sobre el arte, cuyas prácticas artísticas por mucho tiempo han sido rehenes de las políticas culturales y de las tensiones derivadas de sus condiciones de subalternidad en el contexto nacional. Artistas que de un lado u otro, imbuidos de los nuevos modos de apropiación de la cultura, construyen lo suyo, importando, traduciendo, reciclando partes de una cultura que ya no reconoce localizaciones.
La evidente analogía entre estos campos artísticos suscita una pregunta del todo válida: ¿Qué cosas vinculan esa especie de constelaciones de lucecitas que diseña el antofagastino Salvador Lauriani con el mapa de los territorios saharauis que fueron usurpados, y bordados por sus mujeres y por la artista catamarqueña Claudia Martínez en el norte de África a pesar de que ella viva en España; y esto a su vez con esos otros mapas que borda Carlota Beltrame en Tucumán, o esos cielos limitados por el follaje que Ana María Benedetti construye en Salta?
Pienso también en las ficciones del viaje como posibilidad de encontrar un lugar mejor al que habitamos. Y aquí se me cruzan nuevas imágenes como la de aquel tren de Claudio Galeno, con esos viajes absurdos de Rosalba Mirabella, pero también pienso en esos globos de Yonsin Chiang Flores que no terminan de volar. ¿Qué cruces se producen en estos tiempos con respecto a los lugares físicos de residencia, los lugares virtuales en los que navegamos, los lugares del trabajo, los no lugares, etc.? Mis respuestas están precisamente en este punto: Ser ciudadanos de nuestro pequeño territorio y al mismo tiempo ciudadanos del mundo. Y aquí otra vez la cuestión de las fronteras, la idea de los límites geográficos y su relatividad frente al mundo ilimitado que nos proponen las nuevas tecnologías y por qué no el arte.
El recorte que propongo tiene la intención de ser una especie de fotografía instantánea que reúna artistas, obras, colectivos de gestión y proyectos que den cuenta de un primer estado de situación de ambas regiones. Consecuentemente busco instalar los interrogantes y concepciones sobre nuestros lugares y los modos discursivos de interpelar, referir, presentar o representar nuestras realidades, pero también hablar de las estrategias que nos proponemos para transformarlas.
Una suerte de inventario, ya que la idea consiste en organizar un espacio que abra también la posibilidad de entretejer redes entre artistas interesados en plantear nuevas acciones de integración y nuevas políticas para las regiones involucradas.
Marcos Figueroa
Tucumán, Argentina. 2009
miércoles, 29 de julio de 2009
approaches, following the ridge.
approaches, following the ridge Approaches to the study of cultural identity, after the mountain range. The purpose of this paper is to show some features and methodological implications of certain recent approaches to the study of social communication from the perspective of the processes of reception, located on the periphery of our long scenario, where high culture, not trickles, or drip reaches Santiago and Valparaiso, in some ways. The cuts show that a rain of paint brushes, jars, mattresses, several lights and cachureos soon cross the mountains, to conquer neighboring territories, in art, clearly. Our memory, fragile as the old cassettes, which were recorded and then erased, and so many times, until the tape, and even entire pegoteada painted cutex soon forget this milestone of the local plastic. So we must take all necessary precautions and take over the spot, so do not forget the memory. Learning is defined in terms of relatively permanent changes due to past experience, and memory is a crucial part of the learning process, without it, the experience would be lost and the individual could not benefit from past experience. Unless in some way prior learning can be recorded, can not be used at a later date and therefore not be in a position to benefit from past experience. Recent approaches to the study of cultural identity, after the mountain range, is a cultural radiography, where the pre-Columbian iconography, finally can relax after a long time. Salvador Lauriani O
martes, 28 de julio de 2009
aproximaciones, tras la cordillera
Aproximaciones al estudio de la identidad cultural, tras la cordillera.
El objeto de este texto es mostrar algunas características e implicaciones metodológicas de ciertas aproximaciones recientes al estudio de la comunicación social desde la perspectiva de los procesos de recepción, situados en la periferia de nuestro largo escenario, donde la alta cultura, no chorrea, ni gotea, alcanzando a Santiago y Valparaíso, en cierta forma.
Los recortes nos indican que una lluvia de pinceles, tarros, colchones, lucecitas y cachureos varios, pronto cruzarán la cordillera, para conquistar territorio vecino, en lo artístico, claramente.
Nuestra memoria, frágil como la de los antiguos cassettes, que se grababan y luego borraban, y así muchísimas veces, hasta agotar la cinta, toda pegoteada e incluso pintada con cutex, pronto olvidará este hito de la plástica local. Entonces debemos tomar todos los recaudos necesarios y relevar el acto, para que la memoria no lo olvide.
El aprendizaje se define en términos de los cambios relativamente permanentes debidos a la experiencia pasada, y la memoria es una parte crucial del proceso de aprendizaje, sin ella, las experiencias se perderían y el individuo no podría beneficiarse de la experiencia pasada. A menos de que, de cierta manera, el aprendizaje previo pueda grabarse, no podría utilizarse en fecha posterior y por ello no se estaría en posición de beneficiarse de la experiencia pasada.
Las aproximaciones recientes al estudio de la identidad cultural, tras la cordillera, será una radiografía cultural, donde la iconografía precolombina, por fin podrá descansar, después de mucho tiempo.
Salvador Lauriani O.
El objeto de este texto es mostrar algunas características e implicaciones metodológicas de ciertas aproximaciones recientes al estudio de la comunicación social desde la perspectiva de los procesos de recepción, situados en la periferia de nuestro largo escenario, donde la alta cultura, no chorrea, ni gotea, alcanzando a Santiago y Valparaíso, en cierta forma.
Los recortes nos indican que una lluvia de pinceles, tarros, colchones, lucecitas y cachureos varios, pronto cruzarán la cordillera, para conquistar territorio vecino, en lo artístico, claramente.
Nuestra memoria, frágil como la de los antiguos cassettes, que se grababan y luego borraban, y así muchísimas veces, hasta agotar la cinta, toda pegoteada e incluso pintada con cutex, pronto olvidará este hito de la plástica local. Entonces debemos tomar todos los recaudos necesarios y relevar el acto, para que la memoria no lo olvide.
El aprendizaje se define en términos de los cambios relativamente permanentes debidos a la experiencia pasada, y la memoria es una parte crucial del proceso de aprendizaje, sin ella, las experiencias se perderían y el individuo no podría beneficiarse de la experiencia pasada. A menos de que, de cierta manera, el aprendizaje previo pueda grabarse, no podría utilizarse en fecha posterior y por ello no se estaría en posición de beneficiarse de la experiencia pasada.
Las aproximaciones recientes al estudio de la identidad cultural, tras la cordillera, será una radiografía cultural, donde la iconografía precolombina, por fin podrá descansar, después de mucho tiempo.
Salvador Lauriani O.
jueves, 2 de julio de 2009
ode to cachureo
Art Object: "Ode to Cachureo." The definition of the verb collect, has the particularity that Ensim and contains a load of beauty and silence, otherwise there would be no explanation for so many artists, and why not, people and wild grown cachureos to act together. The first definition may be designated to collect the fruits of the earth and time during which it is carried out this work: the harvesting of the rice is done mechanically, during the harvest many farmers hired laborers. In that moment two things intersect, where he was dressed in costume artist? Art-Object, elevated to the dignity of art to simple, everyday objects as proof that art is above all an attitude of mind which resides in the viewer and, by representing these objects in an exhibition hall , reflects the aesthetic qualities and not utilitarian. By removing an object from its usual context and which performs a practical function, but this is garbage and in turn was placed in a dimension in which the absence of anything useful it could be aesthetic. What determines the aesthetic value is no longer a technical process, but a mental act, a different attitude to the reality. Articulation technology is to integrate traditional media, painting, sculpture, unorthodox elements for your setup. This technique may be considered as a way to scenographic boxes or three-dimensional objects in which the elements are combined outside of their everyday context and given a different intention 03 July 2009
oda al cachureo
Arte Objeto:”Oda al Cachureo.”
La definición del verbo recolectar, tiene la particularidad, que ensimismo ya contiene una carga de belleza y silencio, de otra forma no habría explicación para que tantos artistas, y porque no, también personas comunes y silvestres, cultiven al acto de juntar cachureos.
La primera definición podría ser la designada a la recogida de frutos de la tierra y época durante la que se lleva a cabo este trabajo: la recolección del arroz se hace mecánicamente; durante la recolección los agricultores contrataron a muchos jornaleros.
¿En que instante se intersectan estas dos acciones, donde el agricultor se viste con traje de artista?
El Arte-Objeto, eleva a la dignidad de arte a los objetos simples y cotidianos como prueba de que el arte es, sobre todo, una actitud mental que reside en el espectador y que, mediante la representación de estos objetos en una sala de exposiciones, se aprecian las calidades estéticas y no las utilitarias.
Al sacar un objeto del contexto que le es habitual y en el que se realiza una función práctica, sin que este sea basura y a su vez se le sitúa en una dimensión en la que al no existir nada utilitario todo puede ser estético. Lo que determina el valor estético ya no es un procedimiento técnico, sino un acto mental, una actitud distinta ante la realidad.
La Articulación técnica consiste en integrar los medios tradicionales, pintura o escultura, con elementos no ortodoxos para su configuración. Puede ser considerada esta técnica como una forma de realizar cajas escenográficas u objetos tridimensionales en los que los elementos se alían fuera de su contexto cotidiano y se les da una intención distinta
03 Julio de 2009
La definición del verbo recolectar, tiene la particularidad, que ensimismo ya contiene una carga de belleza y silencio, de otra forma no habría explicación para que tantos artistas, y porque no, también personas comunes y silvestres, cultiven al acto de juntar cachureos.
La primera definición podría ser la designada a la recogida de frutos de la tierra y época durante la que se lleva a cabo este trabajo: la recolección del arroz se hace mecánicamente; durante la recolección los agricultores contrataron a muchos jornaleros.
¿En que instante se intersectan estas dos acciones, donde el agricultor se viste con traje de artista?
El Arte-Objeto, eleva a la dignidad de arte a los objetos simples y cotidianos como prueba de que el arte es, sobre todo, una actitud mental que reside en el espectador y que, mediante la representación de estos objetos en una sala de exposiciones, se aprecian las calidades estéticas y no las utilitarias.
Al sacar un objeto del contexto que le es habitual y en el que se realiza una función práctica, sin que este sea basura y a su vez se le sitúa en una dimensión en la que al no existir nada utilitario todo puede ser estético. Lo que determina el valor estético ya no es un procedimiento técnico, sino un acto mental, una actitud distinta ante la realidad.
La Articulación técnica consiste en integrar los medios tradicionales, pintura o escultura, con elementos no ortodoxos para su configuración. Puede ser considerada esta técnica como una forma de realizar cajas escenográficas u objetos tridimensionales en los que los elementos se alían fuera de su contexto cotidiano y se les da una intención distinta
03 Julio de 2009
lunes, 15 de junio de 2009
EL AMOR EN LOS TIEMPOS DE LA TRIENAL
El AMOR EN LOS TIEMPOS DE LA TRIENAL.
“Tensionar los procesos del arte se ha prestado históricamente para servir de fondo a una propuesta sanadora clara. Planteada ante la obra concreta, la pregunta “¿Qué es arte?” remite a otras, que hubieran sido inocentes en escenarios modernos y posmodernos pero que hoy adquieren un nuevo sentido: ¿Esto es arte? ¿Por qué lo es?; ¿Esto es bello? ¿Cómo puede serlo? ¿Cuál es la labor del creador y su obra?”
El movimiento de superación en la realización creativa en nuestra polis va tomando forma con la participación de todos los integrantes de la estructura cultural: Instituciones, autores y críticos. En el pasado, artículos señalaban la falta de criterio en algunos lugares de exposición en la ciudad. También es responsabilidad de los artistas encontrar y solicitar esos espacios. No pueden esperar a que simplemente se acerquen a sus estudio para exponer su obra. El adecuado impulso expositivo del artista y un criterio selectivo de las instituciones eleva la calidad de las muestras. Es de esperar que de la crítica sobre las instituciones, surja algún efecto hasta que comience a oírse en las esferas adecuadas. Todos juntos podremos dignificar la calidad plástica del norte, convirtiéndola en un lugar vivo.
Nuestra relación con el mundo y con los otros la hacemos a través de los sentidos y, al mismo tiempo los actos humanos son actos emocionales. La experiencia sensorial, aun la aparentemente epidérmica, puede ser muy profunda pero también inestable y vinculada siempre a efectos emotivos, sujetos a la posibilidad de la manipulación. Revisar desde perspectivas muy diversas la tensión entre la percepción sensorial y la práctica artística en el arte contemporáneo es el objeto que nos convoca por estos días de Trienal.
SLO
Junio 5, ANTOFAGASTA
“Tensionar los procesos del arte se ha prestado históricamente para servir de fondo a una propuesta sanadora clara. Planteada ante la obra concreta, la pregunta “¿Qué es arte?” remite a otras, que hubieran sido inocentes en escenarios modernos y posmodernos pero que hoy adquieren un nuevo sentido: ¿Esto es arte? ¿Por qué lo es?; ¿Esto es bello? ¿Cómo puede serlo? ¿Cuál es la labor del creador y su obra?”
El movimiento de superación en la realización creativa en nuestra polis va tomando forma con la participación de todos los integrantes de la estructura cultural: Instituciones, autores y críticos. En el pasado, artículos señalaban la falta de criterio en algunos lugares de exposición en la ciudad. También es responsabilidad de los artistas encontrar y solicitar esos espacios. No pueden esperar a que simplemente se acerquen a sus estudio para exponer su obra. El adecuado impulso expositivo del artista y un criterio selectivo de las instituciones eleva la calidad de las muestras. Es de esperar que de la crítica sobre las instituciones, surja algún efecto hasta que comience a oírse en las esferas adecuadas. Todos juntos podremos dignificar la calidad plástica del norte, convirtiéndola en un lugar vivo.
Nuestra relación con el mundo y con los otros la hacemos a través de los sentidos y, al mismo tiempo los actos humanos son actos emocionales. La experiencia sensorial, aun la aparentemente epidérmica, puede ser muy profunda pero también inestable y vinculada siempre a efectos emotivos, sujetos a la posibilidad de la manipulación. Revisar desde perspectivas muy diversas la tensión entre la percepción sensorial y la práctica artística en el arte contemporáneo es el objeto que nos convoca por estos días de Trienal.
SLO
Junio 5, ANTOFAGASTA
jueves, 4 de junio de 2009
el punto y la línea............
EL PUNTO, LA LINEA Y EL PLANO.SALVADOR LAURIANI OLIVARES.
Por: María Soledad Mansilla Clavel
"Arcoiris"
Su línea plástica es la abstracción. Su pintura se las arregla con los elementos básicos de la forma: el punto, la línea y el plano. Recordamos con su trabajo a pintores tan estrictos como Mondrian. Aunque el colorido de Salvador Lauriani no tiene restricciones. Hoy, es docente en su especialidad en la Escuela de Diseño del Duoc, de la Universidad Católica, en Viña del Mar.
Su obra actual se inspira en el montaje de la Compañía de Teatro del Silencio de título " Mala Sangre" que dirigió años atrás Mauricio Celedón. Y así fue como comenzó a ilustrar la poesía del poeta Arthur Rimbaud. El conjunto es un total de efecto interactivo con el espectador donde usa de rojos, amarillos y azules intensos. Sus síntesis formales evocan sueños y viajes por mar.
Nació en Iquique en 1967. Estudió pedagogía en artes plásticas en la Universidad de Playa Ancha de Valparaíso, egresando en 1991. Su trabajo se ha expuesto colectivamente en Chile, Perú, Ecuador y México.
En 1989 participó en la IX Bienal Internacional de Arte de Valparaíso. En 1993 en la II Bienal Günther. Ha sido seleccionado en varios concursos de pintura donde ha obtenido un buen número de reconocimientos. Entre ellos, salones regionales, concursos de arte joven, convocatorias nacionales y diversos encuentros de pintura. Desde 1994 a 1996, forma parte del Taller Bavestrello, grupo multidisciplinario en la pintura.
"Salvador Lauriani"
PUNTO, LINEA, PLANO
- ¿Siempre has trabajado con el punto, la línea y el plano?
En 10 años de pintura, los caminos de la abstracción geométrica, han sido mi proceso de estudio, desde mi época de estudiante, hasta hoy que soy un académico y pintor. Soy un obsesivo por el color, la composición, la forma, la Gestalt y por supuesto el camino minimalista desde la Bauhaus, hasta Joseph Beuys. Aún cuando sigo siendo un hijo del maestro Wassily Kandinsky.
- La abstracción se quedó en ti
Es difícil no ser consecuente con lo que uno cree, y estudia. Siendo un recorrido no comercial, galeristas, museos, curadores y publico en general, han acogido mi obra con respeto.
- ¿Que tal la acogida de los alumnos?
Joseph Albers en su libro la Interacción del color, rinde un homenaje a sus alumnos. Me tomaré de sus palabras y ellos (mis alumnos), han sido mi fuente de reconocimiento y estímulo. Sigo en la abstracción pero en forma más lúdica (cómo Pollock, tal vez.) La alegría de Smythe me apoya desde el más allá, También Morrissey, Van Gogh, Rimbaud, mi familia y por supuesto Eduardo Correa. ( Poeta de las Epístolas, de aquellos años ´90)
"Noche Verde "
- ¿Alguna razón para tu preferencia?
Aún cuando, estudie en Valparaíso, nunca me interesó, el trasnochado expresionismo del puerto. Ni chorrillanas y menos el tango. Creo que fui un joven pintor porteño por azar. La universalidad de la pintura abstracta desde Mondrian, hasta Abelli, me sedujeron desde mi adolescencia, llena de sueños colorísticos y herméticos. Este camino es mucho más largo y lento, pero apasionante. Silencioso como el cuadro "Blanco sobre Blanco", de Malevich.
La estética actual ( Baumgarten) propone una amplitud de la sensibilidad, más allá de lo figurativo y no olvidemos que la primera acuarela abstracta, de Kandinsky es de 1910. Los
¿Qué opinas de la plástica en Valparaíso?
Como profesor, por supuesto que estoy muy al tanto de todo el acontecer plástico de la región, me quedo con lo bueno de las iniciativas privadas. Soy un fervoroso seguidor de la gestión de los particulares por sobre la del estado. No se puede descansar, sobre la subvención estatal ni el apoyo de terceros.
- Sin quejas...
Siempre he creído en mi propia labor comunicacional, llorar de nuestra soledad y precariedad, no sirve de nada. Somos una provincia, el balneario de la capital, y eso no me sirve. Propongo fundar un vínculo directo con la metrópolis, con profesionalismo, disciplina y rigor. Los carnavales culturales, son muy simpáticos, pero nada más. La empresa privada, debe invertir en cultura, sigamos el ejemplo de Santiago.
El circuito de galerías, es triste. Sólo la "Galería Modigliani", se compara con las del sector de Vitacura. Iniciativas de gestión cultural, deben ser globales, donde participen, artistas, galeristas, relacionadores públicos, curadores y público en particular.
"Oleaje azul 6"
- Cuéntanos de tu muestra
La exposición que presento en esta oportunidad, ha sido producto de un largo estudio. Mi última muestra individual, fue en la galería " Arte Reñaca", en 1998, ya desaparecida.
Se titula "El Barco Ebrio", y es un homenaje a la obra del poeta " Arthur Rimbaud". Sigo en los caminos de la abstracción, preocupado de la buena forma y la prolijidad de la pintura. Las obras, 11 en total, fueron pensadas para el lugar, que las iba a acoger. Me he demorado en exponer de nuevo pero si no están dadas las condiciones de trabajo, como en esta oportunidad, prefiero no exponer.
-¿Qué esperas de la exposición?
Mi anterior exposición, recibió muy buena crítica y acogida del público, espero que esta vez, la gente perciba la sensibilidad y fineza de mi obra. Gracias al arte, he recorrido muchos kilómetros, dentro y fuera de mi país y por lo mismo, seguiré luchando por este hermoso oficio, que me ha permitido dar a conocer el mensaje de mi pintura. He vuelto a la pintura sobre tela después de muchas experimentaciones con diversos materiales.
- El planteamiento de hoy...
Hoy es hora de comenzar, otra vez de cero; sigo con la misma energía de inicios de los 90, pero con la sabiduría de los años. No me considero un pintor porteño, sólo soy un soldado de la belleza. Y por lo mismo, responsable de abrir nuevos caminos, en la percepción visual actual.
Exposiciones Individuales más destacadas.1991. "Se busca de Valparaíso a Buenos Aires." Instituto Chileno Norteamericano. Valparaíso.1996. "Estampas de Chile."Instituto Chileno Norteamericano. Santiago. "Estampas de Chile." Duoc UC. Viña del mar. 1998. "Paisajes de Chile." Sala Arte Reñaca. Viña del Mar. 2002. " EL Barco Ebrio." Galería Modigliani." Viña del Mar. Exposiciones colectivas más destacadas. 1989."IX bienal internacional de arte de Valparaíso." 1990. "A rienda suelta." Valparaíso. 1991."Barrio Chino." Santiago. 1992. "El Color del Sur."Chile y México. 1993. "Bienal Günther." Museo de BB.AA. Stgo. 1994. "El Color del Sur."Chile, Perú y Ecuador. 1995. "Taller Bavestrello." Sala Viña del Mar y Galería Praxis. (Stgo.) 1996. "Taller Bavestrello." Centro Cultural de España y Sala Arte Reñaca. 1997. " El Color de Sur." Itinerante por el paìs. 1998. "Italia en el Arte." Itinerante por el paìs. 1999. "Salón Regional de Arte." Valparaíso. 2000. "Pintando Paraguas."Museo BB. AA. De Valparaíso.
Por: María Soledad Mansilla Clavel
"Arcoiris"
Su línea plástica es la abstracción. Su pintura se las arregla con los elementos básicos de la forma: el punto, la línea y el plano. Recordamos con su trabajo a pintores tan estrictos como Mondrian. Aunque el colorido de Salvador Lauriani no tiene restricciones. Hoy, es docente en su especialidad en la Escuela de Diseño del Duoc, de la Universidad Católica, en Viña del Mar.
Su obra actual se inspira en el montaje de la Compañía de Teatro del Silencio de título " Mala Sangre" que dirigió años atrás Mauricio Celedón. Y así fue como comenzó a ilustrar la poesía del poeta Arthur Rimbaud. El conjunto es un total de efecto interactivo con el espectador donde usa de rojos, amarillos y azules intensos. Sus síntesis formales evocan sueños y viajes por mar.
Nació en Iquique en 1967. Estudió pedagogía en artes plásticas en la Universidad de Playa Ancha de Valparaíso, egresando en 1991. Su trabajo se ha expuesto colectivamente en Chile, Perú, Ecuador y México.
En 1989 participó en la IX Bienal Internacional de Arte de Valparaíso. En 1993 en la II Bienal Günther. Ha sido seleccionado en varios concursos de pintura donde ha obtenido un buen número de reconocimientos. Entre ellos, salones regionales, concursos de arte joven, convocatorias nacionales y diversos encuentros de pintura. Desde 1994 a 1996, forma parte del Taller Bavestrello, grupo multidisciplinario en la pintura.
"Salvador Lauriani"
PUNTO, LINEA, PLANO
- ¿Siempre has trabajado con el punto, la línea y el plano?
En 10 años de pintura, los caminos de la abstracción geométrica, han sido mi proceso de estudio, desde mi época de estudiante, hasta hoy que soy un académico y pintor. Soy un obsesivo por el color, la composición, la forma, la Gestalt y por supuesto el camino minimalista desde la Bauhaus, hasta Joseph Beuys. Aún cuando sigo siendo un hijo del maestro Wassily Kandinsky.
- La abstracción se quedó en ti
Es difícil no ser consecuente con lo que uno cree, y estudia. Siendo un recorrido no comercial, galeristas, museos, curadores y publico en general, han acogido mi obra con respeto.
- ¿Que tal la acogida de los alumnos?
Joseph Albers en su libro la Interacción del color, rinde un homenaje a sus alumnos. Me tomaré de sus palabras y ellos (mis alumnos), han sido mi fuente de reconocimiento y estímulo. Sigo en la abstracción pero en forma más lúdica (cómo Pollock, tal vez.) La alegría de Smythe me apoya desde el más allá, También Morrissey, Van Gogh, Rimbaud, mi familia y por supuesto Eduardo Correa. ( Poeta de las Epístolas, de aquellos años ´90)
"Noche Verde "
- ¿Alguna razón para tu preferencia?
Aún cuando, estudie en Valparaíso, nunca me interesó, el trasnochado expresionismo del puerto. Ni chorrillanas y menos el tango. Creo que fui un joven pintor porteño por azar. La universalidad de la pintura abstracta desde Mondrian, hasta Abelli, me sedujeron desde mi adolescencia, llena de sueños colorísticos y herméticos. Este camino es mucho más largo y lento, pero apasionante. Silencioso como el cuadro "Blanco sobre Blanco", de Malevich.
La estética actual ( Baumgarten) propone una amplitud de la sensibilidad, más allá de lo figurativo y no olvidemos que la primera acuarela abstracta, de Kandinsky es de 1910. Los
¿Qué opinas de la plástica en Valparaíso?
Como profesor, por supuesto que estoy muy al tanto de todo el acontecer plástico de la región, me quedo con lo bueno de las iniciativas privadas. Soy un fervoroso seguidor de la gestión de los particulares por sobre la del estado. No se puede descansar, sobre la subvención estatal ni el apoyo de terceros.
- Sin quejas...
Siempre he creído en mi propia labor comunicacional, llorar de nuestra soledad y precariedad, no sirve de nada. Somos una provincia, el balneario de la capital, y eso no me sirve. Propongo fundar un vínculo directo con la metrópolis, con profesionalismo, disciplina y rigor. Los carnavales culturales, son muy simpáticos, pero nada más. La empresa privada, debe invertir en cultura, sigamos el ejemplo de Santiago.
El circuito de galerías, es triste. Sólo la "Galería Modigliani", se compara con las del sector de Vitacura. Iniciativas de gestión cultural, deben ser globales, donde participen, artistas, galeristas, relacionadores públicos, curadores y público en particular.
"Oleaje azul 6"
- Cuéntanos de tu muestra
La exposición que presento en esta oportunidad, ha sido producto de un largo estudio. Mi última muestra individual, fue en la galería " Arte Reñaca", en 1998, ya desaparecida.
Se titula "El Barco Ebrio", y es un homenaje a la obra del poeta " Arthur Rimbaud". Sigo en los caminos de la abstracción, preocupado de la buena forma y la prolijidad de la pintura. Las obras, 11 en total, fueron pensadas para el lugar, que las iba a acoger. Me he demorado en exponer de nuevo pero si no están dadas las condiciones de trabajo, como en esta oportunidad, prefiero no exponer.
-¿Qué esperas de la exposición?
Mi anterior exposición, recibió muy buena crítica y acogida del público, espero que esta vez, la gente perciba la sensibilidad y fineza de mi obra. Gracias al arte, he recorrido muchos kilómetros, dentro y fuera de mi país y por lo mismo, seguiré luchando por este hermoso oficio, que me ha permitido dar a conocer el mensaje de mi pintura. He vuelto a la pintura sobre tela después de muchas experimentaciones con diversos materiales.
- El planteamiento de hoy...
Hoy es hora de comenzar, otra vez de cero; sigo con la misma energía de inicios de los 90, pero con la sabiduría de los años. No me considero un pintor porteño, sólo soy un soldado de la belleza. Y por lo mismo, responsable de abrir nuevos caminos, en la percepción visual actual.
Exposiciones Individuales más destacadas.1991. "Se busca de Valparaíso a Buenos Aires." Instituto Chileno Norteamericano. Valparaíso.1996. "Estampas de Chile."Instituto Chileno Norteamericano. Santiago. "Estampas de Chile." Duoc UC. Viña del mar. 1998. "Paisajes de Chile." Sala Arte Reñaca. Viña del Mar. 2002. " EL Barco Ebrio." Galería Modigliani." Viña del Mar. Exposiciones colectivas más destacadas. 1989."IX bienal internacional de arte de Valparaíso." 1990. "A rienda suelta." Valparaíso. 1991."Barrio Chino." Santiago. 1992. "El Color del Sur."Chile y México. 1993. "Bienal Günther." Museo de BB.AA. Stgo. 1994. "El Color del Sur."Chile, Perú y Ecuador. 1995. "Taller Bavestrello." Sala Viña del Mar y Galería Praxis. (Stgo.) 1996. "Taller Bavestrello." Centro Cultural de España y Sala Arte Reñaca. 1997. " El Color de Sur." Itinerante por el paìs. 1998. "Italia en el Arte." Itinerante por el paìs. 1999. "Salón Regional de Arte." Valparaíso. 2000. "Pintando Paraguas."Museo BB. AA. De Valparaíso.
jueves, 14 de mayo de 2009
Atacam the remote connetion
Atacam the remote connection: Art Star ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... Various exotic items brought from more distant places, meet the obsession of the rulers, the nobility and the middle of Tiwanaku bear for more luxury and distinction. One of the main places where the authorities turned their eyes to highland supply of luxury goods was San Pedro de Atacama, an oasis in the remote desert of Chile located over 700 kilometers south of the mainland and separated from the high plateau for about a month and half of the crossing. Towards the V century, that green patch of mesquite, and molles Chañares, located at the foot of the imposing volcano Licancabur and in the midst of extreme aridity, and it was a nerve bullente center truck of the most varied products. Can there be something more exotic to do art in the Atacama desert, more than 1300 km from Museo Nacional de Bellas Artes in Santiago, which will soon celebrate its centennial? As risky as the reality given by Art Star Film and Arts. The series format Works show, takes place in the competitive world of art in New York. From an open call to the 400 candidates who attended the 8 selected artists must participate in a group exhibition at the Gallery of Art Deitch Projects New York, led by the renowned collector and curator Jeffrey Deitch. The program searches the selected artists as they interact with leading critics, curators, collectors and artists in New York, while performing new works as part of the exhibition. slo / may 2009
la lejana conexión atacameña
La lejana conexión atacameña:
Art Star……………………………
Diversos artículos exóticos, traídos desde los más distantes lugares, satisfacían la obsesión de los soberanos, la nobleza y las capas medias de Tiwanaku por ostentar más lujo y distinción. Uno de los principales lugares hacia donde las autoridades altiplánicas volcaron sus ojos para proveerse de bienes suntuarios fue San Pedro de Atacama, un remoto oasis del desierto chileno localizado más de 700 kilómetros al sur de la metrópolis altiplánica y separado de ésta por alrededor de un mes y medio de travesía. Hacia el siglo V, esa verde mancha de algarrobos, molles y chañares, situada al pie del imponente volcán Licancabur y en medio de la aridez más extrema, era un bullente y neurálgico
centro de trueque de los más variados productos.
¿Puede haber algo más exótico que hacer Arte en pleno desierto de Atacama, a más de 1300 Km. del Museo Nacional de Bellas Artes en Santiago, que pronto celebrará su centenario?
Tan arriesgado como el reality Art Star emitido por Film and Arts. Esta serie con formato de work show, transcurre en el competitivo mundo del arte de Nueva York. A partir de una convocatoria abierta a la que acudieron 400 candidatos, los 8 artistas seleccionados deberán participar en una exposición grupal en la Galería de Arte Neoyorquina Deitch Projects, comandada por el reconocido coleccionista y curador Jeffrey Deitch.
El programa registra a los artistas seleccionados mientras interactúan con destacados críticos, curadores, coleccionistas, y artistas en Nueva York, a la par que realizan nuevas obras como parte de la exposición colectiva.
slo / may 2009
Art Star……………………………
Diversos artículos exóticos, traídos desde los más distantes lugares, satisfacían la obsesión de los soberanos, la nobleza y las capas medias de Tiwanaku por ostentar más lujo y distinción. Uno de los principales lugares hacia donde las autoridades altiplánicas volcaron sus ojos para proveerse de bienes suntuarios fue San Pedro de Atacama, un remoto oasis del desierto chileno localizado más de 700 kilómetros al sur de la metrópolis altiplánica y separado de ésta por alrededor de un mes y medio de travesía. Hacia el siglo V, esa verde mancha de algarrobos, molles y chañares, situada al pie del imponente volcán Licancabur y en medio de la aridez más extrema, era un bullente y neurálgico
centro de trueque de los más variados productos.
¿Puede haber algo más exótico que hacer Arte en pleno desierto de Atacama, a más de 1300 Km. del Museo Nacional de Bellas Artes en Santiago, que pronto celebrará su centenario?
Tan arriesgado como el reality Art Star emitido por Film and Arts. Esta serie con formato de work show, transcurre en el competitivo mundo del arte de Nueva York. A partir de una convocatoria abierta a la que acudieron 400 candidatos, los 8 artistas seleccionados deberán participar en una exposición grupal en la Galería de Arte Neoyorquina Deitch Projects, comandada por el reconocido coleccionista y curador Jeffrey Deitch.
El programa registra a los artistas seleccionados mientras interactúan con destacados críticos, curadores, coleccionistas, y artistas en Nueva York, a la par que realizan nuevas obras como parte de la exposición colectiva.
slo / may 2009
lunes, 11 de mayo de 2009
tráfico de caravanas
Tráfico de Caravanas; Arte Local de Exportación.
Dos importante representaciones preparan sus bártulos para iniciar viaje, por el difuso
camino de la creación.
A partir de la frecuente relación entre arte rupestre y rutas de tráfico en el desierto de Atacama, efectuaremos un análisis del modelo de movilidad giratoria y su relación con algunos aspectos de la ritualidad andina, basado en el registro de dos yacimientos de creatividad: "Los del Norte" exhibirán en Brasil en el mes de Junio y la “Trienal de Chile 2009”, llegará en el mes de octubre.
Estas muestras se seleccionaron por su emplazamiento significativo y sus asociaciones contextuales. Probablemente existen pocos elementos en común entre ambas exhibiciones. EL primero se detalla como una agrupación ya formada, en cambio la segunda respondió a una convocatoria de selección. Con ello se plantea que los sitios presentan dos tipos de distinta curatoría, además de posibles funciones logísticas dentro del modelo de movilidad giratoria, diferencias atribuibles a los distintos tipos de tráfico implicados: tráfico interregional y tráfico local, además de aspectos ligados a la apropiación del espacio y la ritualidad asociada a cada sitio. Este conjunto de variables permite avanzar en la caracterización de interacciones económicas e ideológicas en el desierto entre diferentes agrupaciones culturales.
“La Trienal de Chile parte de la figura del mapa del país considerado en sí mismo una imagen al borde, una línea vertical que condensa distintos linderos y que, al desplazarse virtualmente, proyecta una franja que cubre el Cono Sur latinoamericano. Así, se pretende explorar los límites del arte en situaciones que, en sí mismas, son extremas: el mapa de Chile y su largo desplazamiento, entre los centros de creación central.”
mayo de 2009
salvador Lauriani
Dos importante representaciones preparan sus bártulos para iniciar viaje, por el difuso
camino de la creación.
A partir de la frecuente relación entre arte rupestre y rutas de tráfico en el desierto de Atacama, efectuaremos un análisis del modelo de movilidad giratoria y su relación con algunos aspectos de la ritualidad andina, basado en el registro de dos yacimientos de creatividad: "Los del Norte" exhibirán en Brasil en el mes de Junio y la “Trienal de Chile 2009”, llegará en el mes de octubre.
Estas muestras se seleccionaron por su emplazamiento significativo y sus asociaciones contextuales. Probablemente existen pocos elementos en común entre ambas exhibiciones. EL primero se detalla como una agrupación ya formada, en cambio la segunda respondió a una convocatoria de selección. Con ello se plantea que los sitios presentan dos tipos de distinta curatoría, además de posibles funciones logísticas dentro del modelo de movilidad giratoria, diferencias atribuibles a los distintos tipos de tráfico implicados: tráfico interregional y tráfico local, además de aspectos ligados a la apropiación del espacio y la ritualidad asociada a cada sitio. Este conjunto de variables permite avanzar en la caracterización de interacciones económicas e ideológicas en el desierto entre diferentes agrupaciones culturales.
“La Trienal de Chile parte de la figura del mapa del país considerado en sí mismo una imagen al borde, una línea vertical que condensa distintos linderos y que, al desplazarse virtualmente, proyecta una franja que cubre el Cono Sur latinoamericano. Así, se pretende explorar los límites del arte en situaciones que, en sí mismas, son extremas: el mapa de Chile y su largo desplazamiento, entre los centros de creación central.”
mayo de 2009
salvador Lauriani
caravans traffic; local export art
Caravans traffic; Local Export Art.
Two important representations bártulos to start preparing their trip, the diffuse
path of creation.
From the frequent connection between rock art and trafficking routes in the desert of Atacama, conduct an analysis of the rotational mobility model and its relation to some aspects of the Andean rituals, based on the registration of two sources of creativity: "The North "exhibit in Brazil in June and the" Triennale Chile 2009 ", will arrive in October.
These samples were selected for their location and their significant contextual associations. Probably there are few elements in common between the two exhibitions. The first described as a group already formed, while the second responded to a call for selection. This suggests that the two sites present different kinds of Trustees, as well as potential logistical functions within the model of rotational mobility, differences attributable to different types of traffic involved interregional traffic and local traffic as well as aspects relating to the appropriation of space and the rituals associated with each site. This set of variables allows the characterization of progress in economic and ideological interactions in the desert between different cultural groups.
"The Triennial of Chile from the figure of the map of the country considered itself an image to the edge, a vertical line that encapsulates different boundaries, and to move virtually covering a projected strip the Southern Cone of Latin America. Thus, the aim is to explore the limits of art in situations which in themselves are extreme: the map of Chile and their long displacement between the center of creation. "
May 2009
Two important representations bártulos to start preparing their trip, the diffuse
path of creation.
From the frequent connection between rock art and trafficking routes in the desert of Atacama, conduct an analysis of the rotational mobility model and its relation to some aspects of the Andean rituals, based on the registration of two sources of creativity: "The North "exhibit in Brazil in June and the" Triennale Chile 2009 ", will arrive in October.
These samples were selected for their location and their significant contextual associations. Probably there are few elements in common between the two exhibitions. The first described as a group already formed, while the second responded to a call for selection. This suggests that the two sites present different kinds of Trustees, as well as potential logistical functions within the model of rotational mobility, differences attributable to different types of traffic involved interregional traffic and local traffic as well as aspects relating to the appropriation of space and the rituals associated with each site. This set of variables allows the characterization of progress in economic and ideological interactions in the desert between different cultural groups.
"The Triennial of Chile from the figure of the map of the country considered itself an image to the edge, a vertical line that encapsulates different boundaries, and to move virtually covering a projected strip the Southern Cone of Latin America. Thus, the aim is to explore the limits of art in situations which in themselves are extreme: the map of Chile and their long displacement between the center of creation. "
May 2009
miércoles, 29 de abril de 2009
Art or Design..................?
Art or Design ... ... ... ... ... ... ... ... ... ..? Andy Warhol studied illustration and its beginnings were a fashion designer, after illustrious names of Philippe Starck, Kenzo Tadao, Karim Rashid and our Sebastián Errázuriz have successfully embraced the two disciplines, art and design The relationship and difference between Art and Design, from a cultural vision, which quoted other views, to the aesthetic and social issues is evident. A good design does not do it either. You have to know the rules and laws that define it, and the many representative systems that support communication. In this process, he finds the need to rethink the spiritual, emotional and expressive, as part of the growing development of conscious subjective. This spiritual need increases or grows to the extent that economic conditions are satisfied, therefore, as far as man thinks and lives depend on this act. The "needs" type spiritual part of a "necessity" inherent in our human condition and have a specific function or purpose: to fill the "hole" or gap suprasensible human condition which is not material, but satisfying and creates feelings, emotions, thoughts, and which are purely personal and experiential, therefore, subjective. The purpose or function of this "necessity"-call it "Art" - is precisely issue, observe, draw, make you feel a problem of cultural and disseminate and present outside of their circle of action: that is, outside the person itself. The more we are able to perceive cultural systems (Art) be better able to understand and enjoy. Instead, the design of another need. The design is to communicate and communication. But if you say the art of good communication and good design is called, does this not mean that "Design is the art of communication? Need to communicate to another and another function. So we are not purists, welcome designers, architects, installers, self, etc .... And found a new man-creator. This phrase is not mine, the said Walter Gropius in 1919 to found the Bauhaus in Weimar Republic. Salvador Olivares Lauriani. > April 2009
¿arte o diseño?
¿Arte o Diseño………………………..?
Andy Warhol estudió ilustración y sus inicios fueron de dibujante de modas, luego ilustres nombres como los de Phillipe Starck, Tadao Kenzo, Karim Rashid y nuestro Sebastián Errázuriz, han abrazado con éxito ambas disciplinas, Arte y Diseño
La relación y diferencia entre Diseño y Arte, desde una visión cultural, donde se citan otros puntos de vista, hacia lo estético y lo social es evidente. Un buen Diseño no lo hace cualquiera. Se tienen que conocer las reglas y leyes que lo definen, y los numerosos sistemas representativos que apoyan la comunicación.En este mismo proceso, el hombre encuentra la necesidad de replantearse lo espiritual y lo expresivo-emotivo, como parte del desarrollo creciente de su conciente subjetivo. Esta necesidad espiritual aumenta o crece en la medida en que las condiciones económicas son satisfechas, por tanto, el hombre piensa según como vive y en dependencia de esto, actúa. Las "necesidades" de tipo espiritual parten de una "necesidad" inmanente en nuestra condición humana y tienen un fin o función específica: llenar el "hueco" o el vacío de esta condición suprasensible humana con algo que no es material, pero que satisface y crea sensaciones, emociones, reflexiones, y que son puramente vivenciales y personales, por tanto, subjetivas.El fin o función de esta "necesidad" -llamémosle "Arte"- es precisamente cuestionar, relatar, observar, señalar, hacer sentir un problema de carácter cultural y darlo a conocer y presentarlo fuera de su círculo de acción: es decir, fuera de la persona en sí. Cuanto más capaces somos de percibir los sistemas culturales (el Arte) más capaces seremos de entenderlos y disfrutarlos.En cambio, el Diseño parte de otra necesidad. El Diseño es comunicar y es comunicación. Pero si al arte del buen decir y de la buena comunicación se le llama Diseño, ¿esto no quiere decir que "el Diseño es el Arte de la Comunicación"? Comunicar parte de otra necesidad y de otra función.No seamos tan puristas, bienvenidos diseñadores, arquitectos, instaladores, autodidactas, etc….y fundemos un nuevo hombre-creador.
Esta frase no es mía, la dijo Walter Gropius en 1919, al fundar el Bauhaus, en la República de Weimar.
Salvador Lauriani Olivares.
>Abril 2009
Andy Warhol estudió ilustración y sus inicios fueron de dibujante de modas, luego ilustres nombres como los de Phillipe Starck, Tadao Kenzo, Karim Rashid y nuestro Sebastián Errázuriz, han abrazado con éxito ambas disciplinas, Arte y Diseño
La relación y diferencia entre Diseño y Arte, desde una visión cultural, donde se citan otros puntos de vista, hacia lo estético y lo social es evidente. Un buen Diseño no lo hace cualquiera. Se tienen que conocer las reglas y leyes que lo definen, y los numerosos sistemas representativos que apoyan la comunicación.En este mismo proceso, el hombre encuentra la necesidad de replantearse lo espiritual y lo expresivo-emotivo, como parte del desarrollo creciente de su conciente subjetivo. Esta necesidad espiritual aumenta o crece en la medida en que las condiciones económicas son satisfechas, por tanto, el hombre piensa según como vive y en dependencia de esto, actúa. Las "necesidades" de tipo espiritual parten de una "necesidad" inmanente en nuestra condición humana y tienen un fin o función específica: llenar el "hueco" o el vacío de esta condición suprasensible humana con algo que no es material, pero que satisface y crea sensaciones, emociones, reflexiones, y que son puramente vivenciales y personales, por tanto, subjetivas.El fin o función de esta "necesidad" -llamémosle "Arte"- es precisamente cuestionar, relatar, observar, señalar, hacer sentir un problema de carácter cultural y darlo a conocer y presentarlo fuera de su círculo de acción: es decir, fuera de la persona en sí. Cuanto más capaces somos de percibir los sistemas culturales (el Arte) más capaces seremos de entenderlos y disfrutarlos.En cambio, el Diseño parte de otra necesidad. El Diseño es comunicar y es comunicación. Pero si al arte del buen decir y de la buena comunicación se le llama Diseño, ¿esto no quiere decir que "el Diseño es el Arte de la Comunicación"? Comunicar parte de otra necesidad y de otra función.No seamos tan puristas, bienvenidos diseñadores, arquitectos, instaladores, autodidactas, etc….y fundemos un nuevo hombre-creador.
Esta frase no es mía, la dijo Walter Gropius en 1919, al fundar el Bauhaus, en la República de Weimar.
Salvador Lauriani Olivares.
>Abril 2009
martes, 7 de abril de 2009
new scenarios part 2
Cultural Centers: New Scenarios Part 2. Without doubt the inexorable Minotaur's labyrinth, always present in the local plastic, occasionally shows some output, which oxygenates the cultural Antofagastino Three new spaces for the visual arts have been opened recently. First there was the cultural center of St. Thomas University, soon changing the climate expected to continue growing. After living library, plaza and mall of its intimate place of exhibition. And to close the trilogy, the ballroom of the new casino lounge, hosts the talented Luis Núñez Saint Martin and his series on the trades. Undoubtedly three initiatives that dignity art. Here, the locations are beautiful and quiet. Interestingly pregnant. A factory recycled into a cultural center, a bank, a former department store sales, some stores, etc ... All have one thing in common: they are buildings that have been excluded from the production system because it did not meet the performance requirements profitable, given the new features of the market and technological development. The unusual feature that presents the history of our visual arts, should not lead to discouragement or apprehension in the reader unfamiliar with the topic of culture. My unwavering commitment to this great challenge of installing a first class cultural center, with a curatorial quality and appropriate facilities according to the demonstrations there will be displayed. We applaud these initiatives, even the debt remains in official cultural policy, which has shown no sign of architectural quality, which are seriously the new creations of local art
nuevos escenarios 2ª parte
Centros Culturales: Nuevos Escenarios 2ª parte.
Sin duda el inexorable laberinto del minotauro, siempre presente en la plástica local, de vez en cuando nos muestra alguna salida, que oxigena el medio cultural Antofagastino
Tres nuevos espacios para recibir las artes visuales, se han abierto en el último tiempo. Primero fue el centro cultural de la universidad santo tomás, que pronto espera nuevos aires para seguir creciendo. Luego la biblioteca viva, del mall plaza y su íntimo lugar de exhibición. Y para cerrar la trilogía, el salón ballroom del nuevo casino, acoge al talentoso luis núñez san martín y su serie, sobre los oficios. Sin duda tres iniciativas privadas, que dignifican el arte.
Aquí, los lugares son hermosos y silenciosos. Interesantemente pregnantes. Una usina reciclada en centro cultural, un banco, una antigua tienda de venta por departamentos, unos almacenes, etc… Todos tienen de común una cosa: se trata de edificios que han sido excluidos del sistema productivo porque ya no cumplían con los requisitos de funcionamiento rentable, dadas las nuevas características del mercado y del desarrollo tecnológico.
El rasgo descomunal que presenta la historia de nuestras artes visuales, no debe producir aprensión ni desánimo en el lector poco familiarizado con el tema de la cultura.
Mi compromiso inclaudicable con este gran desafío de instalar un centro cultural de primer nivel, con una línea curatorial de calidad y con instalaciones apropiadas acorde a las manifestaciones que ahí se exhibirán.
Aplaudamos estas iniciativas de particulares, aún sigue en deuda la política cultural oficial, que no ha dado señales de proyectos arquitectónicos de calidad, que reciban con seriedad las nuevas creaciones del arte local
Sin duda el inexorable laberinto del minotauro, siempre presente en la plástica local, de vez en cuando nos muestra alguna salida, que oxigena el medio cultural Antofagastino
Tres nuevos espacios para recibir las artes visuales, se han abierto en el último tiempo. Primero fue el centro cultural de la universidad santo tomás, que pronto espera nuevos aires para seguir creciendo. Luego la biblioteca viva, del mall plaza y su íntimo lugar de exhibición. Y para cerrar la trilogía, el salón ballroom del nuevo casino, acoge al talentoso luis núñez san martín y su serie, sobre los oficios. Sin duda tres iniciativas privadas, que dignifican el arte.
Aquí, los lugares son hermosos y silenciosos. Interesantemente pregnantes. Una usina reciclada en centro cultural, un banco, una antigua tienda de venta por departamentos, unos almacenes, etc… Todos tienen de común una cosa: se trata de edificios que han sido excluidos del sistema productivo porque ya no cumplían con los requisitos de funcionamiento rentable, dadas las nuevas características del mercado y del desarrollo tecnológico.
El rasgo descomunal que presenta la historia de nuestras artes visuales, no debe producir aprensión ni desánimo en el lector poco familiarizado con el tema de la cultura.
Mi compromiso inclaudicable con este gran desafío de instalar un centro cultural de primer nivel, con una línea curatorial de calidad y con instalaciones apropiadas acorde a las manifestaciones que ahí se exhibirán.
Aplaudamos estas iniciativas de particulares, aún sigue en deuda la política cultural oficial, que no ha dado señales de proyectos arquitectónicos de calidad, que reciban con seriedad las nuevas creaciones del arte local
jueves, 19 de marzo de 2009
NO TODO LO QUE BRILLA ES ORO.......
NO TODO LO QUE BRILLA ES ORO…………
No todo lo que brilla es oro, y menos en nuestra cultura local, tan distanciada de la gente, como de los propios actores. En estos casos, cultores de la Artes Visuales, léase pintores particularmente.
La primera reflexión es con respecto a los reales alcances de la política cultural imperante, ¿Cuánto se debería hacer, o realmente cuanto se puede hacer. ?
Miremos alrededor nuestra moderna polis y veremos como ha surgido un remakes criollo, del muralismo, tan de moda en los años 70, fruto de la contingencia y la sociedad en ebullición.
Esta promisoria situación podría hacer pensar que basta hacer más de lo mismo para seguir avanzando en materias culturales. Creemos que ello no es así. Por cierto, hay una nueva forma de relación entre creadores, sociedad y cultura –que está delineada en el capítulo relativo a los principios de la política cultural de este documento- que debe ser preservada. Igualmente, hay un conjunto de herramientas –tales como los fondos concursables- que pueden y deben ser fortalecidas y potenciadas. Sin embargo, estas importantes medidas ya no bastan, pues ellas mismas han cambiado nuestra actual circunstancia y han transformado completamente nuestras propias y legítimas necesidades culturales.
Concluiremos de manera preliminar, que no por mucho abarcar, se crece, ni menos se
avanza, falta mayor debate y menos protagonismo de nuestros agentes locales, que se pierden en rencillas surrealistas y con tan poca profundidad., obviamente de campo.
Como segundo caso, citaré un proyecto personal , que daba cuenta de la organización de la primera Bienal de Arte-Postal, Latinoamericano, con sede en nuestra ciudad, donde el tema de las obras, era nuestro hermoso desierto de Atacama, sin embargo fue evaluado mal por su escaso aporte a la escena regional.
Esta promisoria situación podría hacer pensar que basta hacer más de lo mismo para seguir avanzando en materias culturales. Creemos que ello no es así. Por cierto, hay una nueva forma de relación entre creadores, sociedad y cultura –que está delineada en el capítulo relativo a los principios de la política cultural de este documento- que debe ser preservada. Igualmente, hay un conjunto de herramientas –tales como los fondos concursables- que pueden y deben ser fortalecidas y potenciadas. Sin embargo, estas importantes medidas ya no bastan, pues ellas mismas han cambiado nuestra actual circunstancia y han transformado completamente nuestras propias y legítimas necesidades culturales.
Salvador Lauriani O. marzo 2009
No todo lo que brilla es oro, y menos en nuestra cultura local, tan distanciada de la gente, como de los propios actores. En estos casos, cultores de la Artes Visuales, léase pintores particularmente.
La primera reflexión es con respecto a los reales alcances de la política cultural imperante, ¿Cuánto se debería hacer, o realmente cuanto se puede hacer. ?
Miremos alrededor nuestra moderna polis y veremos como ha surgido un remakes criollo, del muralismo, tan de moda en los años 70, fruto de la contingencia y la sociedad en ebullición.
Esta promisoria situación podría hacer pensar que basta hacer más de lo mismo para seguir avanzando en materias culturales. Creemos que ello no es así. Por cierto, hay una nueva forma de relación entre creadores, sociedad y cultura –que está delineada en el capítulo relativo a los principios de la política cultural de este documento- que debe ser preservada. Igualmente, hay un conjunto de herramientas –tales como los fondos concursables- que pueden y deben ser fortalecidas y potenciadas. Sin embargo, estas importantes medidas ya no bastan, pues ellas mismas han cambiado nuestra actual circunstancia y han transformado completamente nuestras propias y legítimas necesidades culturales.
Concluiremos de manera preliminar, que no por mucho abarcar, se crece, ni menos se
avanza, falta mayor debate y menos protagonismo de nuestros agentes locales, que se pierden en rencillas surrealistas y con tan poca profundidad., obviamente de campo.
Como segundo caso, citaré un proyecto personal , que daba cuenta de la organización de la primera Bienal de Arte-Postal, Latinoamericano, con sede en nuestra ciudad, donde el tema de las obras, era nuestro hermoso desierto de Atacama, sin embargo fue evaluado mal por su escaso aporte a la escena regional.
Esta promisoria situación podría hacer pensar que basta hacer más de lo mismo para seguir avanzando en materias culturales. Creemos que ello no es así. Por cierto, hay una nueva forma de relación entre creadores, sociedad y cultura –que está delineada en el capítulo relativo a los principios de la política cultural de este documento- que debe ser preservada. Igualmente, hay un conjunto de herramientas –tales como los fondos concursables- que pueden y deben ser fortalecidas y potenciadas. Sin embargo, estas importantes medidas ya no bastan, pues ellas mismas han cambiado nuestra actual circunstancia y han transformado completamente nuestras propias y legítimas necesidades culturales.
Salvador Lauriani O. marzo 2009
miércoles, 11 de marzo de 2009
"aquí no es la expo."
“Aquí no es la Expo”
Anggie González
Biblioteca Viva,
Mall Plaza.
El arte y las intervenciones digitales son conceptos bastante debatidos en los círculos artísticos y rechazados con frecuencia por algunos puristas que lo catalogan más como una habilidad técnica que una manifestación artística.
La eterna dicotomía, entre el discurso, el soporte y la obra.
Pero esta actitud proviene de un completo desconocimiento del arte computarizado, del sensacionalismo de los medios y la atracción popular sobre atractivas creaciones automatizadas ejecutadas por programas de computadoras procesando ecuaciones matemáticas. Ciertamente que en esos casos el artista sería el programador autor de los algoritmos que elaboran los diseños y estaríamos quizá alabando sin razón si llamamos de técnico al usuario que introduce los valores usados por las ecuaciones de esos programas para producir los diseños finales.Pero existe otra forma de arte digital. Un arte humano, expresión de sensaciones, ideas, búsquedas personales, visiones en forma gráfica y expresada usando el computador como herramienta del mismo modo que durante siglos se ha usado el lienzo, la pared o la piedra.
La mecánica de intervención de la obra, acción de desplazamiento, debe sus primeros orígenes al discurso cubista, que con sus collages y decollages, agregó elementos tipográficos, pletóricos de simbolismo y poesía.
La propuesta de la joven creadora Anggie González, nos presente 13 gráficas intervenidas, donde el dibujo y el píxel, se funden construyendo y reconstruyendo imágenes de un paisaje interior, imaginería con claras
influencias del Cómics.
No deja indiferente el discurso de la artista, que propone una renovación de los lenguajes plásticos y cuestiona el sistema cultural local, por lo cerrado y
hermético.
Del montaje de la exposición, se puede concluir que el camino recién se está iniciando y que como el aprendiz bajo el sol, falta mucho por recorrer.
Sin duda un aporte a nuestra plástica regional, tan en deuda en el último tiempo, con atrevimiento a nuevos soportes, en pleno siglo XXI.
SALVADOR LAURIANI OLIVARES
MARZO 2009
Anggie González
Biblioteca Viva,
Mall Plaza.
El arte y las intervenciones digitales son conceptos bastante debatidos en los círculos artísticos y rechazados con frecuencia por algunos puristas que lo catalogan más como una habilidad técnica que una manifestación artística.
La eterna dicotomía, entre el discurso, el soporte y la obra.
Pero esta actitud proviene de un completo desconocimiento del arte computarizado, del sensacionalismo de los medios y la atracción popular sobre atractivas creaciones automatizadas ejecutadas por programas de computadoras procesando ecuaciones matemáticas. Ciertamente que en esos casos el artista sería el programador autor de los algoritmos que elaboran los diseños y estaríamos quizá alabando sin razón si llamamos de técnico al usuario que introduce los valores usados por las ecuaciones de esos programas para producir los diseños finales.Pero existe otra forma de arte digital. Un arte humano, expresión de sensaciones, ideas, búsquedas personales, visiones en forma gráfica y expresada usando el computador como herramienta del mismo modo que durante siglos se ha usado el lienzo, la pared o la piedra.
La mecánica de intervención de la obra, acción de desplazamiento, debe sus primeros orígenes al discurso cubista, que con sus collages y decollages, agregó elementos tipográficos, pletóricos de simbolismo y poesía.
La propuesta de la joven creadora Anggie González, nos presente 13 gráficas intervenidas, donde el dibujo y el píxel, se funden construyendo y reconstruyendo imágenes de un paisaje interior, imaginería con claras
influencias del Cómics.
No deja indiferente el discurso de la artista, que propone una renovación de los lenguajes plásticos y cuestiona el sistema cultural local, por lo cerrado y
hermético.
Del montaje de la exposición, se puede concluir que el camino recién se está iniciando y que como el aprendiz bajo el sol, falta mucho por recorrer.
Sin duda un aporte a nuestra plástica regional, tan en deuda en el último tiempo, con atrevimiento a nuevos soportes, en pleno siglo XXI.
SALVADOR LAURIANI OLIVARES
MARZO 2009
viernes, 16 de enero de 2009
REMEDIO PARA EL VERANO
La Cultura: Remedio para los males de Verano.
Frente a una sociedad de antivalores, enfermedades sociales y crisis, las manifestaciones artístico-culturales pueden ser el mejor escudo y antídoto para enfrentarlas.
Violencia, caos moral y ético, inseguridad, pobreza económica, sida, enfermedades incurables, consumismo, delincuencia, frivolidad, hedonismo. Estos y otros males de la sociedad contemporánea, tienen arrinconado al hombre de hoy. La cultura y el arte pueden ser uno de los remedios para vivir mejor y no perder así la esperanza en un mundo mejor que el que tenemos. Alejandro Jodoroswky sostiene "que arte que no cura no sirve".
Como cura el arte
El arte cura y trabaja en tres campos de nuestro ser, cuerpo, mente y espíritu. En lo que respecta a la parte espiritual, se libera el poder interior y se alcanzan imágenes, de espíritus y ayudantes. El encuentro con el arte, además, favorece la percepción de Dios.Cuando se pregunta a los artistas, acerca de la curación, hablan de luz, de oscuridad, de lugares del mundo interior donde ven las visiones que pintan.
Muy dentro de nosotros hay profundos espacios, loas regiones más lejanas del alma. Al viajar, hacia dentro, podemos vislumbrar mundos, sentirlos, vivir en ellos. Y sólo con el arte podemos traer de vuelta, con nosotros, las huellas llenas de recuerdos, traer su espíritu.
Cuando decimos arte, nos referimos a todo arte, la pintura, la escultura, la narración de historias, la poesía, la música, la danza, el arte escénico. El arte es la voz de la fuerza vital, de la expansión, del amor que hay dentro de nosotros. Es la conexión, el puente verdadero, la fuente de todo poder. El arte es la voz del espíritu. Y cuando el espíritu se libera, cuando se ve el espíritu, se lo oye, se libera el sanador interior.
Claramente este texto no es una columna, ni menos crónica de algún fallido intento de crítica artística. Pero siento que nuestro vasto norte grande, se ha envuelto en un torrido verano, salpicado de cultura que nos permite un break, lleno de colores, luces y cultura, mucha cultura, entre el desierto y el mar.
Tan lejos, tan cerca........................................por ahora con mucho arte de verano.
Salvador Lauriani Olivares
Frente a una sociedad de antivalores, enfermedades sociales y crisis, las manifestaciones artístico-culturales pueden ser el mejor escudo y antídoto para enfrentarlas.
Violencia, caos moral y ético, inseguridad, pobreza económica, sida, enfermedades incurables, consumismo, delincuencia, frivolidad, hedonismo. Estos y otros males de la sociedad contemporánea, tienen arrinconado al hombre de hoy. La cultura y el arte pueden ser uno de los remedios para vivir mejor y no perder así la esperanza en un mundo mejor que el que tenemos. Alejandro Jodoroswky sostiene "que arte que no cura no sirve".
Como cura el arte
El arte cura y trabaja en tres campos de nuestro ser, cuerpo, mente y espíritu. En lo que respecta a la parte espiritual, se libera el poder interior y se alcanzan imágenes, de espíritus y ayudantes. El encuentro con el arte, además, favorece la percepción de Dios.Cuando se pregunta a los artistas, acerca de la curación, hablan de luz, de oscuridad, de lugares del mundo interior donde ven las visiones que pintan.
Muy dentro de nosotros hay profundos espacios, loas regiones más lejanas del alma. Al viajar, hacia dentro, podemos vislumbrar mundos, sentirlos, vivir en ellos. Y sólo con el arte podemos traer de vuelta, con nosotros, las huellas llenas de recuerdos, traer su espíritu.
Cuando decimos arte, nos referimos a todo arte, la pintura, la escultura, la narración de historias, la poesía, la música, la danza, el arte escénico. El arte es la voz de la fuerza vital, de la expansión, del amor que hay dentro de nosotros. Es la conexión, el puente verdadero, la fuente de todo poder. El arte es la voz del espíritu. Y cuando el espíritu se libera, cuando se ve el espíritu, se lo oye, se libera el sanador interior.
Claramente este texto no es una columna, ni menos crónica de algún fallido intento de crítica artística. Pero siento que nuestro vasto norte grande, se ha envuelto en un torrido verano, salpicado de cultura que nos permite un break, lleno de colores, luces y cultura, mucha cultura, entre el desierto y el mar.
Tan lejos, tan cerca........................................por ahora con mucho arte de verano.
Salvador Lauriani Olivares
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